Nostalgia

* Texto que escribí y fue publicado en la revista online brasilera www.ideafixa.com

Nostalgia viene de nostos (retorno) y algia (dolor).Podría interpretarse como: volver con dolor. La inconformidad con el presente puede detonar el anhelo de momentos recordados como mejores. La moda resulta un medio de resurrección del pasado. Existe un fenómeno de nostalgia cada vez más inmediato protagonizado por personas cada vez más jóvenes.
Y existe un mercado en expansión que brinda productos retro. Una regla de oro del mercado es la satisfacción de necesidades reales o ficticias. El dolor y el placer en la misma oferta: buscar a tu viejo amor en facebook, tu primer juguete perdido en e-bay, ser un Joy Division hoy .
Recordar puede también darnos un reconfortante sentido de pertenencia.
Cesare Pavese escribió en su diario íntimo publicado como El Oficio de vivir:
“Descubrimos las cosas a través de los recuerdos que tenemos de ellas. Recordar una cosa significa verla- sólo ahora- por primera vez”.
El lugar común es la infancia, hoy como nunca la niñez es intervenida por el ideario adulto. La infinita capacidad lúdica es atosigada por creativos publicitarios segmentando la experiencia vital en target etarios.
Pavese en otra digresión sobre la infancia acotó: “La cuestión estriba en saber si ocurrido el primer conocimiento intenso y de absorición ingenua , vivimos espiritualmente de rentas o podemos aumentar día a día nuestro capital”.
Otra etimología se vuelve útil: recordar podemos desglosarlo como re cordar, traer con la cuerda, o interpretar la raíz cardio: volver a pasar por el corazón.
En un mundo en que cada vez menos de nuestros actos son libres afrontar el presente constante resignificando con cada acto nuestra vida, sorprendiendonos de lo que hayamos y no lamentarnos de lo que supuestamente perdimos puede resultar una opción menos inmediata pero quizá realmente más satisfactoria. Abrir el corazón: como cuando abrimos una revista, de par en par.

Spinetta inédito y Spiner remoto

En 1987 Luis Alberto Spinetta participó como actor y autor de la música original en el corto de Fernando Spiner Balada para un Kaiser Carabela que sólo se proyectó una vez en Argentina. En cambio, fue premiado en Europa, lo compró Canal Plus, de Francia y lo televisó. A instancias de una coproducción de La Nave de los sueños y la Biblioteca Nacional el 17 de noviembre se lo proyectará gratis en el auditorio Jorge Luis Borges dentro del ciclo Otros territorios junto a otros tres cortos iniciáticos del director del film La Sonámbula y las series Poliladron y Bajamar. Entrevista con Fernando Spiner y Luis Alberto Spinetta. (Esta es una versión completa del artículo que escribí y publicó el suplemento Radar de Página/12).

El eterno retorno

En un pueblo anclado en un retrofuturo con locales repletos de videojuegos, fichines y carteles con luces de neón, rodeado por un paisaje desértico, habita Finney, el personaje de Spinetta. Es una suerte de Sísifo canoso que viste de traje, día a día intenta encender autos que no arrancan y pasa el tiempo borracho. Llegan al pueblo a través del desierto una mujer joven y un niño como salido de una publicidad de cacao, pelo cobrizo, pecas, el niño sostiene una valija, ella usa un vestido azul sin mangas y tacos blancos. En el pueblo no hay nadie más que Spinetta, los fichines, y viejos autos de lujo estacionados, él les ofrece pasar la noche allí, ellos aceptan y dicen ir más lejos. Al niño le gusta sacar fotos con una cámara polaroid, luego recorta los retratos y los deja en distintos lugares, entre los personajes apenas existe la tensión de un posible recuerdo o un posible olvido, nunca se miran a los ojos. La mujer y el niño bailan maquinalmente una rutina de tap sin música de fondo mientras Spinetta bebe su whisky en la barra mirándolos ausente, detrás suyo en lugar de bebidas, casetes de VHS llenan las estanterías. Sus movimientos parecen espectrales. Pasan la noche deambulando y ven el alba sentados dentro del auto, un Kaiser Carabela, Spinetta pregunta si recuerdan que es la hora en que se apagan todas las luces y ellos le dicen que no. Él asiente: “Claro, yo tampoco los recuerdo”. Otro día todo vuelve a empezar, regresan los visitantes, ella luce un abrigo y el niño carga un estuche de guitarra, dicen ir más lejos y la sospecha del recuerdo aflora en el desierto.


Raíces
En una operación análoga a la del pintor Antonio Berni en su cuadro La muerte acecha en cada esquina, Fernando Spiner plasma en este corto sus vínculos con el surrealismo y la poesía luego de una estadía de estudios en Europa: ambos creadores recontextualizan paisajes donde crecieron. Vuelto de Francia Berni pintó sobre el fondo de la llanura de su pueblo santafesino una pesa, una gran V tallada en una piedra , la cabeza de un hombre decapitado y un edificio de tres pisos, al regresar de estudiar en el Centro Sperimentale de Cinematografía en Roma, Italia, Spiner transformó a Villa Gesell en un Las Vegas abandonado. Después de aquél cuadro Berni seguiría su camino de ruptura hasta incluir desechos en su obra, Spiner en una sola jugada une la última tecnología del momento con los lujos del pasado y los iguala en la categoría de chatarra en el mismo momento de su auge.>
Del disco a la disco
“Balada para un Kaiser Carabela, el corto de Spinetta, nace de un profundo deseo de filmar un corto muy influenciado por un cierto tipo de cine como las películas de Wim Wenders, sin diálogos, más poéticas”, revela el director. “Apenas volví de estudiar de Italia en 1986, conocí a Marcelo Figueras, que me presentó a Fito Páez con quien íbamos a hacer un clip de “Corazón clandestino”, finalmente por motivos de guita no lo hicimos. Pero me hice muy amigo de Fito, me invitó a ir a la grabación de “La la la” y me empecé a hacer amigo de Luis. Yo era un admirador, escuchaba Almendra a los 13. Iba a las grabaciones de “La la la” y miraba y escuchaba y ellos me empezaron a dar manija para que juntos filmáramos un clip del disco, que es para mí uno de los más grosos del Rock and Roll argentino. Luis había visto Testigos en cadena, ese trabajo llevé a Italia cuando empecé a estudiar y Fito se lo había mostrado”, detalla Spiner.
Testigos en cadena es un corto sobre la dictadura filmado durante la dictadura y también será exhibido en la Biblioteca Nacional. Aquí podría ir la anécdota de Blow up. La única vez que se pasó el corto Balada para un Kaiser Carabela, en la discoteca Cinema, Spinetta le dijo a la revista Cantarock: “El director Fernando Spiner, todavía no hizo su primer largometraje pero tiene ideas que rompen todo. Los cortos que ha hecho hasta ahora tienen un nivel impresionante. Uno de esos cortos, “Testigos en cadena” tiene música de Lerner y ganó cualquier cantidad de premios. Yo lo conocía a través de Fito Páez”.

Bandoleros


Fernando Spiner cuenta por teléfono antes de irse al Festival de Mar del Plata que terminó de filmar Aballay, una película que define como “un western gauchesco” basada en un cuento de Antonio Di Benedetto acerca de un bandolero que mata a un hombre delante de su hijo y el niño crece para vengarse. Pensaba rodar el film con una coproducción italiana cuando terminó el corto de Spinetta, pero no pudo, pasaron 22 años hasta que logró filmarla y el niño que actuó junto a Spinetta creció y se convirtió en un ladrón famoso.
-¿El guión lo tenías escrito antes de pensar en Spinetta?
Con Eduardo Milevic ( el guionista )habíamos intentado hacer algo antes, queríamos contar una historia de soledad, de gente que no conecta. Surgió la posibilidad de hacer este corto, ya teníamos el guión, y un día le digo a Luis, como íbamos a hacer con Fito “Ciudad de pobres corazones” y ya lo teníamos armado, le digo: ‘Luis, ¿te copás con protagonizar este corto?’ y dijo: ‘Sí, loco, está bueno’. Luego le pregunté si le podía hacer música original. Balada para un Kaiser Carabela se filmó en mayo del 87 . Él trabajó la música casi sin indicaciones
-¿Por qué elejiste Villa Gesell como locación, lo habías pensado en Italia?
Yo viví toda mi adolescencia allí, nos mudamos a mitad de los 70 con mis padres, hice el secundario, siempre había querido filmar ahí. A los 13 trabajaba para la casa de fotos “La almeja miope” y andaba sacando fotos en la playa.
-Como el niño del corto…
Sí, en el corto hay algo de eso, cosas que ví mucho al crecer en un balneario: gente que va y desaparece. El tipo solo acodado en la barra tomando una copa de whisky.Gesell era el lugar donde me era posible cerrar las calles y transformarlo en un pueblo fantasma . Luego volví a filmar un documental sobre los pioneros de Villa Gesell y también hice toda una miniserie “Bajamar”. Fuimos en un plan artístico, poético, y Luis se vino, sin cobrar un mango, diez días a Villa Gesell, con un equipo técnico y estuvimos los diez días filmando, con Luis, Sofía (Viruboff), mi mujer que protagoniza el corto, y un nenito, que lo encontré en la calle, y que con el tiempo se convirtió en el chorro más famoso de Gesell, Claudio Ginepro, tremendo, un bandolero famoso.
-Cuando le pregunté a Spinetta acerca de su actuación contestó que se limitó a seguir instrucciones ¿Fue así? ¿Cómo recordás las jornadas de filmación?
En realidad Luis compuso un personaje, trabajó los gestos, las miradas y la forma de caminar, opuestas a las suyas, aportó mucho y fue alucinante. Imagináte llevarte a Spinetta a tu pueblo. Las jornadas siempre son largas. Hay un registro de paso del tiempo que duró toda una noche para filmar una escena. Era mayo, una Gesell con muy poca gente y todo un grupo de amigos que nos ayudaba en la filmación. Luis tocó varias veces en el hotel, venían algunos amigos músicos y teníamos espectáculo continuado.
¿La idea de los autos viejos tiene algo que ver con el gusto de Spinetta por los autos o era una idea previa del guión?
Pensamos que podía dar una fastuosidad decadente. Hicimos un pedido general a Gesell y así los conseguimos.
¿Porqué mostrás estos trabajos ahora?
La nave de los sueños organizó el año pasado un homenaje por los 10 años del estreno de La sonámbula, y me propusieron proyectar el corto, en realidad nos conocemos hace casi una década y siempre me insistieron por este material yo se los había prometido y finalmente digitalizamos los tres cortos que estaban en 16 milímetros porque casi al mismo tiempo me ofreció Fernando Martín Peña hacer la conversión a cambio de conservar en su cinemateca los originales.
-La versión de Balada que se va a proyectar no es el corte original ¿porqué?
Luego de digitalizar lo edité , porque sentí que le hacía falta tocar un poco, igual aún con el corte subyace la esencia siempre. Es la primera vez que hago algo así. Lo conservé porque tiene algo, el corto tuvo un pequeño recorrido, lo mostramos una sola vez en Argentina en la discoteca Cinema y nada más. Fue la época en que yo volví a ir a Italia, y allá el corto ganó el premio especial del jurado en el festival de Huesca, estuvo en muchos festivales importantes de cortos y después lo compró la televisión francesa. Tiene un gran valor que es la presencia de Spinetta, un hecho muy especial, y la música que compuso. Y tiene una melancolía que te da como un dardo en el alma. La soledad, la tristeza, la desolación, el neón, las luces de colores, el ruido y la nada. Una cosa muy poética, jugada, muy radical, con una extraordinaria fotografía de Yito Blanc, un muy buen director de fotografía que falleció años después.
¿Tu amistad con Spinetta continuó?
Con Luis luego fuimos amigos cercanos y a través del tiempo nos hemos visto con frecuencia variable, hoy mi hija estudia guitarra con la de él.>



Simpatía

En el libro de Juan Carlos Diez, Martropía conversaciones con Spinetta, el músico contó que le cuesta irse a una playa, que en cambio, sale de una ciudad para ir a otra ciudad: "Soy difícil para eso. Tengo que estar en muy buena compañía y relajado". La filmación del corto en una playa implicó para Spinetta abordar terrenos infrecuentes. Para la música Spinetta unió sus sintetizadores último modelo para la época con los sonidos de las máquinas de fichines e incursionó en el ruidismo para generar un clima denso, apenas hay una melodía en la que tararea unas vocales y las loopea, es un ejercicio lúdico para el músico que transita del disco junto a Fito Páez, La la la de 1986, hacia su próximo solista Tester de violencia de 1988. Quizá el único anclaje temporal que permite ubicar al corto como realizado en los 80 y no como una mirada desde cualquier momento futuro a esa década sea el sonido característico de los sintetizadores.
En medio de los ensayos para la celebración de su trayectoria en diciembre en el estadio de Vélez, Luis Alberto Spinetta habló por teléfono con para recordar la filmación.
- ¿Cómo recordás tu participación en el corto? ¿Cómo te preparaste para el personaje?
Mi experiencia como actor es, seguramente, nefasta para el director.(Risas) Yo hice una música para el corto, creo que por ahí empezó todo. Tenía que hacer de un hombre mayor, no les costó maquillarme para lograr el personaje, como la película es casi muda, sin textos, era un tipo más parsimonioso que yo y su desarrollo era desde lo gestual.
¿Haber participado influyó en tus ideas para los videoclips posteriores?
En los clips es otra la cosa, si no sos actor y tenés cancha, vas y algo sale.
Yo me limité a seguir sus instrucciones la idea era poder cumplir con las expectativas de Edu Milevic y Fernando Spiner. Simplemente por simpatía, no me entusiasmaba hacer a través del film una entrada al mundo de la actuación en cine sino cumplir con mis amigos, ellos me divertían y tenían ideas que me parecían geniales .
¿Sabías que el corto fue comprado y exhibido por la televisión francesa?
No sabía, pero es natural porque esa es un poco la característica del film, una idea muy visual. Claramente no lo pasaron allá porque hay un actor que es conocido por otra cosa. Y el mérito lo tiene el director, no mi actuación.


Programación completa: Testigos en cadena (1982), Ejercicio para cámara en movimiento (1984), Instrucciones para john howell (1985) y Balada para un Kaiser Carabela (1987). Martes 17 de noviembre a las 19 horas en el Auditorio Jorge Luis Borges de la Biblioteca Nacional. AGÜERO 2502 | 1er PISO

Más información sobre el ciclo en www.naveonline.com.ar

Niño en el cosmos

Versión en español.

Generalmente son abolladas las ideas descartadas, lo que no se puede decir, lo que no se dijo como se deseaba. Leer adentro de un bollito de papel: “No sé nada de mí, apenas sé mirarme a los ojos”, puede ser la entrada a un universo artístico amplio que a veces empieza en una bolsa de papel madera con la cara de un niño de 4 años que detrás de lentes gruesos clava una mirada fija. El mismo niño escribió los 24 poemas fotocopiados en “El libro de palabras”, y si le preguntan quién es, responde:
“A los nueve años miré la luna con otros ojos, a los cuatro ya lo había hecho pero no recordaba eso a los nueve. El brillo entró por la parte más roja de mi diamante y la volvió amarilla, entonces pedí a mi madre ir a estudiar pianoforte. A los diez salí a jugar y encontré una “A”, a los trece una “Z”. Finalmente me decidí por la “R”. Finalmente, nada tiene fin.
Un día 14 de noviembre caminando por la calle me crucé con un hombre de galera que me miró a los ojos y me dijo:
-Vos tenés una “O”, ¿No me la cambiarías por una ‘N’?
-Pero yo ya tengo una ‘N’- respondí.
-No importa (me suplicó) necesitó una “O”, para usarla como túnel y pasar al lugar de las cajas musicales a buscar una canción que perdí de niño, se llamaba: “La canción de enrollar el ovillo de la noche”.
Debo encontrarla (me dijo) es un caso de vida o vida. No pregunté más, tanto me conmovió que ahora no tengo “O”, pero sí dos “N”.
Desde ese día tengo la certeza de que la “O”, es un túnel que nunca me animé a transitar, tiempo al tiempo, un día saldré a la calle y pediré una “O” a un desconocido”.
El cemento de un barrio de monoblocks, en San Justo, una ciudad en el Oeste de la provincia de Buenos Aires dentro del Partido de La Matanza, cinturón tan populoso como precario y la mayor fuente de votos del peronismo en Argentina, parece un ambiente escénico más propicio para que prolifere un músico de hip hop que para un artista multipropósito. Asombroso como un poema encontrado en un bollo, allí reside Luciann.
“En un principio la idea era más extrema iba a poner basura, no suciedad sino envoltorios de golosinas, un pedazo de cigarrillo, para resaltar el encuentro de algo valioso entre los desechos”, manifiesta.
Si una cámara registrase su existencia, el resultado sería un documental poético sobre la música. Todos los domingos toca el piano en una iglesia del culto Ciencia Cristiana, ante una congregación de 5 personas que acuden a misa desde lugares muy distantes a la iglesia, pero concurren allí porque hicieron colectas especiales para poder construir ese templo. El rito comienza con unos minutos de improvisación del pianista que suele llegar al trabajo poco después de haber tocado en un show de los grupos de música experimental en los que participa: Princesas Apuñaladas de Luna, El Joven Ausente y La Orquesta trompa de elefante.
También estudia para tocar en clases de ballet y luego, como solista, se asoma al túnel y saca canciones y nuevas poesías que comparte en Internet.
El rostro de niño señala el portal de su espacio, Erich Fromm en su libro Miedo a la libertad explica que hay un estadio en la infancia en la que el niño no distingue el final de su yo, él y el cosmos son uno, luego mediante la individuación el hombre busca pertenecer y diferenciarse a la vez del entorno y las cosas. En la galaxia de Luciann impera una atmósfera surreal en la que no hay gravedad ni afirmaciones tremendistas, una cosmovisión de niño aúna la lírica de sus canciones y su poesía donde los personajes pueden tener “la boca con mares que no vuelcan”, “comer luciérnagas” y saber que “el sol, la lluvia y la nostalgia preparan una torta para sus nietos”.
Hablamos sobre las alusiones al universo en su obra: “Me fascinó el cosmos desde niño. Quería ser astronauta pero cuando supe que había que estudiar muchas matemáticas me desencanté”.Lo curioso es que las escuelas de piano suelen utilizar como argumento que el estudio del instrumento activa la zona cerebral de la que dependemos para realizar cálculos matemáticos, por lo que recomiendan que los niños aprendan piano para ejercitar el hemisferio. Le comento el asunto y agrego que mucha gente que usa computadoras coordina los movimientos de las manos de igual modo que en el piano pero no pueden tocar música.
Para Luciann las letras son notas, toca con un teclado dactilográfico de PC al que configuró con un programa MIDI y genera acordes. “Cuando toco tipeo mas rápido que al escribir, y descubrí que hay palabras que contienen acordes”, cuenta.
Le pregunto si el título de su última canción “A-1” alude a su interpretación musical de las letras y él me responde:
-¿A vos que te da A-1?
-La batalla naval-le digo.
-A es la primera letra y uno, bueno, el uno es el uno, la totalidad y la unidad y lo primero y uno, dice tocándose el pecho.


A1 (letra / traducción)
Comunicación entre los tripulantes del Apolo 11
y el Monitor de la N.A.S.A


Base tranquilidad: Houston, aquí Base Tranquilidad retornando a la cabina para despresurización.

Houston: Base Tranquilidad, aquí houston, ustedes deben retornar a la cabina para despresurización. Retornar a la cabina.

Armstrong: abrimos la lente de la cámara

Armstrong: Okey houston. Estoy en el umbral.

Houston: comprendido Neil.

Armstrong: ¿como llega la imagen en la pantalla del televisor?

Houston: Okey Neil. Lo vemos bajando por la escalera.

Armstrong: ¡estoy al pie de la escalera y voy a pisar tierra! ¡Ya!

Armstrong: Un pequeño paso para el hombre. Un gigantesco paso para la humanidad.
Es la.... la superficie fina y polvorienta. Se adhiere a la suela de mis zapatos como carbón en polvo. Puedo... puedo levantarla con la punta de los dedos. Esto tiene una belleza propia. Se asemeja mucho a los desiertos de los Estados Unidos, aunque es diferente. Es un lugar muy lindo.

Luciann:
astronauta que vuelas
dentro de mi cabeza
es mi cuerpo un grande robot
no soy yo el que maneja

Aldrin: Quiero saltar y volver a caer suavemente. Pero debo estar seguro de no caer.

Luciann:
se reinicia el sistema
cuando desciende mi cabeza
yo soy yo y quien es yo
él es yo y yo él soy

es mi amiga lunática
prepara té y no duerme
desenrrolla mi ovillo
teje una nube que crezca

John F. Kennedy: El espacio está ahora abierto para nosotros y nuestra ansiedad por compartir su significado no está regida por los esfuerzos de otros. Nos lanzamos al espacio porque, cualquiera sea la empresa que acometa la humanidad, debe ser compartida por los hombres libres.

H: y no nos hallamos en el final,
sino que apenas estamos en el comienzo.

-¿Porqué usas esa cara?
-Es una foto del jardín, cuando la encontré me llamó la atención la mirada, la veo como un síntesis, un símbolo, cuando la llevo en el pin o en la guitarra o en el myspace, me parece hipnótica, el gesto no es ni triste ni feliz como si no tuviera sentimientos. Como si fuese un robot. Trato de ver el mundo como un pensamiento colectivo todos los humanos podemos ser un solo ser, parece que hacemos cosas contrarias pero hacemos una sola cosa vamos hacia un solo lado, el robot se vuelve más grande, viene a ser el planeta o lo que generamos entre todos. La música es mágica, una persona escucha todo a la vez pero en realidad cada sonido sale ejecutado desde una persona diferente y cuando se juntan hacemos un solo color.

-¿Se puede ser sincero y ser adulto? ¿Se contraponen niñez y madurez?
No creo en la adultez, es un concepto inventado para que el hombre se apague: ¿quién puede querer ser adulto si sos un muerto? No hace falta ser adulto para ser responsable o atento. Madurez o adultez son palabras creadas para castigar y para mantenernos en una cárcel de pensamiento.
Alguien frustrado o sin sueños, acabado, que olvidó sus sueños de niño, alguien que sólo trabaja para no salirse de la vida normal, eso debería ser lo mal visto en la sociedad.
Si tuviéramos mas conciencia de nuestro tiempo seríamos mas libres. El espacio me gusta como imagen, a veces cuando voy en bici por lugares desolados, siento que puede venir algo del cielo a buscarme, y se me pone la piel de gallina.
Puse a los astronautas porque su trabajo es como el del ser en el cuerpo humano: lo desconocido está adentro y afuera.
Los astronautas reaccionan en el audio como niños ante lo desconocido, por eso usé los samplers. Al final es tan aburrida la vida y se vuelven tan opacos los adultos que buscan hacer cosas fascinantes”.

Lucian mira el techo de su pieza desde su cama, yo miro su piano desde mi bolsa de dormir, hablamos del tiempo, de su inexistencia, del calendario gregoriano, del calendario maya. Luciann cuenta que durante el papado de Gregorio fue suprimido el semitono en el canto gregoriano, no se lo podía usar porque tenía una connotación sensual. Sin discos ni radios, la música impactaba físicamente. Hoy también se suprime la música, la corporativización del rock, saca de circuito cierta música, reduce el espacio disponible y lo llena con la música sobre la que posee acciones.
En un rato, Luciann, se tiene que levantar para ir al trabajo. En el pasado, tocar para las cortes fue la mayor fuente de sustento económico para muchos compositores. Hoy hay más rock en la Casa Rosada que en muchos lugares del país. Al poder siempre le interesó dominar la música, rumiamos.
En el disco del conjunto El Joven Ausente, el arte de tapa emula un cuento, incluye un sobre de té y una etiqueta anti etiquetas define al grupo como música psicoacústica para niños: “Decimos que es Psicoacústica porque va directo a la parte de atrás no para en la pared de tu cabeza y para niños porque no tienen ese filtro, nos pasó de tocar en comedores infantiles o lugares así y los chicos se querían sumar a tocar el teclado y los organizadores no los dejaban. Cuando vamos a un recital si encontramos cosas tiradas, las juntamos y las llevamos, porque de tocar tan fuerte algunas cosas se rompen, usamos chapas, un teclado azul número 7, tachos y pedazos de mangueras, muchas veces los adultos no saben como reaccionar cuando nos ven”.
Luciann destroza guitarras en vivo luego las vuelve a pegar y tocar con ellas. Abolla instrumentos y les desprende poesía.
“Para mí tocar es un hecho estético. El arte es ideológico desde el mismo momento en que parte de ideas. Me gustan las ideas que se puedan concretar con lo que tengo a mano. Lo del libro se me ocurrió y salí a buscar el papel y a fotocopiar y lo armé en un día, luego es algo cansador armar muchos, pero me gusta que no sea complejo. Esperar algo del arte o la música es doloroso, los hindúes por ejemplo dicen que la música es para Dios y listo. Si hacés música es para ofrendarla”.
El universo se expande y se contrae. Asistí a conciertos suyos donde el público no superaba a la cantidad de fieles de la Ciencia Cristiana, lo vi tocar con Princesas ante más de 300 personas en uno de los mejores escenarios de Buenos Aires, un video suyo filmado con una cámara de fotos doméstica fue rotado con regularidad por Much Music, su libro pasó por Brasil a fines de 2007 como parte de la muestra Ouro Sentimental de la galería de arte argentina Belleza y Felicidad, en el Museo de Arte Contemporáneo de Niteroi, a media hora de Río de Janeiro.
Todo sucede en la misma dimensión pero con espacio entre un evento y otro, siempre irradiando la misma intensidad esos desprendimientos orbitan en disquerías y librerías artísticas, a algunos el brillo les parece fugaz a otros los deslumbra.

-Antes me hablabas de tu diamante ¿cómo es?
-“El diamante es como un simbolismo del interior y del alma, cuando estamos cerca y estás bien con alguien empezás a resplandecer”.
Todo se pone amarillo, este portal se cierra pero ustedes pueden volver si saltan en una “O” o se asoman por: www.myspace.com/luciannylacajadelasmúsicas

Artículo publicado en la revista Simples? de Brasil

Entrevista con Flavio Cianciarullo

Fue publicada en 2006. Al fin el diario acualizó su archivo online y si te interesa el título, podés leer el resto clickeando en el link de abajo:

“Soy un músico blanquito que quiere hacer música de negros”

http://www.micolombiano.com/BancoConocimiento/G/g_musica_ene22_2006/g_musica_ene22_2006.asp?CodSeccion=113

Mijn Schatje y la tercera posición

Marie Blanco Hendrickx firma como Mijn Schatje, es parte de la generación de ilustradores y diseñadores gráficos que transitan de las revistas a las galerías de arte, mientras revalidan aquél precepto de Jean Ingress:"El dibujo es la probidad del arte".


Integra la selección del libro Illustration Now 2 ( la obra que ilustra esta nota iba a ser la tapa del libro), editado por Julius Wiedemann y publicado por Taschen.

Sus dibujos han sido emparentados con el surrealismo pop norteamericano de Mark Ryden.

En esta entrevista habla sobre la literatura que la influenció, los inicios de su carrera y su interés por el arte japonés.

Si bien las chicas /muñecas de Mijn Schatje supuran Poku-la suma del arte Pop y el otaku, el fanatismo por el manga- en el tratamiento de los rasgos y también es palpable la relación con el pop norteamericano desde el soporte habitual en el que se publica su obra, pop al aparecer en revistas y anuncios . No sólo reactualiza ambas corrientes, sino que delinea una tercera vía. Los universos de ensueño en las que sus protagonistas viven embuídas surgen de un mash up de peces y flores al estilo oriental, galeras, peinados occidentales y tazas de té, tamizadas por un toque íntimo y personal. Sin más desvaríos, aquí va el diálogo con la artista.

-Hay citas al estilo japonés en tu obra, ¿cómo es tu relación con los artistas japoneses y cuándo comenzó?
Conocí Junko Mizuno hace poco en la semana de la moda de Milán porque teníamos algunas entrevistas sobre nuestra colaboración con la marca de fábrica Fornarina. Fue muy satisfactorio conocerla porque ella es una persona muy agradable y gran artista. También admiro el trabajo de Takashi Murakami, sobre todo porque él ha sido uno de los primeros artistas en crear un cierto arte con las herramientas de diseño gráficas, como el Adobe Illustrator. Yoshimoto Nara está creando personajes sutiles también...
Pero la cosa más extraña es que: ¡No sabía nada sobre cultura y artistas japoneses cuando comencé a trabajar! Alguna gente me comparó a estos artistas y me sentí muy halagada, luego investigué y descubrí y aprecié profundamente su trabajo. Miraba muchas películas japonesas de hecho, amé particularmente Shimotsuma Monogatari y El sabor del té.





Hablando generalmente de los directores y de los artistas japoneses creo que tienen un punto de vista muy particular el mundo, ellos llevan a sus obras tanto poesía, dulzura como tristeza al mismo tiempo. Ahora estoy realmente fascinada por la cultura japonesa y planeo viajar allí tan pronto como pueda.
-¿Cuándo comenzaste a publicar tu trabajo?
Comencé realmente a trabajar cuando salí de mi escuela de arte a los 20, porque no me gustaba y me mudé a París. Muy pronto conocí a mucha gente que trabajaba en la cultura y en los medios allí y conseguimos algunas reseñas en algunas revistas. También comencé a trabajar con algunos sellos de música porque iba a muchos shows y conocí a algunos artistas que amaron mis ilustraciones y diseños, así que hice las cubiertas del álbum para las etiquetas como Record Makers y Ekler'o'shock. Entonces conocí a dos personas que dirigían una agencia de ilustración llamada "La Superette ", ellos eran también dueños de la galería y decidían trabajar con mí, por un lado representándome y manejando mis comisiones de las ilustraciones y por otra parte exhibiendo mi obra personal en su galería. He tenido siempre una relación muy buena con los medios y he sido afortunada también, esto es probablemente porqué se pueda ahora ver mi trabajo en muchos países y revistas. Ha sido muy provechoso tener mucha gente apoyando mi trabajo.
-¿Leí que sos mitad holandesa y mitad española, viajaste a esos países de niña?
Nací en Francia pero mi padre es español y mi madre viene de Holanda, y mucha gente en mi familia está viviendo en varios países... Cada año con mis padres, durante las vacaciones de verano, viajábamos a diversos lugares, estuvimos en España y Holanda pero también en Reino Unido, África, Marruecos, Canadá y mucho más. Mis padres nunca han sido ricos pero era muy importante que nos ayudaran a descubrir el mundo, y lo amamos, cuando tienes la suerte de niño de saber cómo vive alguna gente en África o en Alemania, entonces puedes conseguir llegar a ser muy abierto de mente cuando seas adulto. También visitábamos el arte contemporáneo y los museos clásicos de arte.
-¿Qué leías en tu niñez? ¿Solías mirar los comics y revistas durante las visitas?
Amé siempre el leer así que traía muchos libros conmigo, mis preferidos eran algunos libros acerca de cuentos de hadas de diversos lugares del mundo, leía un libro al día así que incluso leí todos mis libros, los de mis padres y toda la biblioteca de reserva. Era como una enfermedad segura y pienso que hizo mi imaginación muy amplia. No compré tantos libros en diversos idiomas porque apenas sé leer y hablar inglés, francés y alemán, pero leía los libros de Roald Dahl en inglés, pienso que él es uno de los mejores escritores de libros para niños del mundo, James y el durazno gigante y Charlie y la fábrica de chocolate siguen siendo algunos de mis libros favoritos. De niña deseé ser escritor e ilustrador de libros para niños, tristemente no puedo escribir muy bien así que todavía espero tener la oportunidad de ilustrar algunos buenos libros para niños algún día.

Un rotundo cross a los mitos

* Nota inédita escrita para la revista La Mano, se supone que algun día saldrá. Vale aclarar que el libro sobre Cobain ya se editó en castellano en Argentina, el de Hendrix aún no y el extracto que aquí traduzco es inédito.

Miércoles 5 de abril de 2006, una computadora en Tribunales escupe preguntas inevitables para la fecha, otra en Seattle las responde.
-¿Qué hace el autor de una biografía sobre Kurt Cobain el día del doceavo aniversario de la muerte de Kurt Cobain?
Va a cenar, lleva a su hijo a la escuela y vive una vida normal. Recuerda que cada día es precioso. Y, por supuesto, dice una plegaria por Kurt...
-¿Creés que la música va a dar otra revolución como la que representó el grunge?
Esperemos que sí. Necesitamos que algo nos sacuda. No ha habido un grupo que haya eclipsado a Nirvana en impacto legado o poder. La biografía de la que hablamos es Heavier than Heaven (Más pesado que el cielo) un libro que desde su publicación en 2001 no ha dejado de venderse y que tuvo entre sus lectores a Gus Van Sant quien luego filmó una elipsis sobre la vida de Cobain, su autor es Charles R. Cross un periodista estadounidense que además publicó el año pasado A Room Full of Mirrors (Un cuarto lleno de espejos):Una biografía de Jimi Hendrix, y anteriormente escribió otros libros sobre estrellas de rock que se convirtieron en best sellers (los libros, bah, los tipos también) Backstreets: Springsteen, el Hombre y su Música (1989); Led Zeppelin: Cielo e Infierno (1992); y Nevermind: The Classic Album ( 1998). Ninguno fue publicado en Argentina, del de Cobain apenas circularon unas copias importadas de la traducción española y del de Hendrix sólo llegó la noticia de que “Un libro revela que Jimi Hendrix fingió ser homosexual para abandonar el ejército. Antes del libro, la versión era que Hendrix había sido eximido por una fractura en la clavícula después de una caída en paracaídas”. Pero nada se dijo sobre que es un relato cuidado y sentido sobre una persona tan famosa como conflictuada.Bio de un biógrafo Cross fue el primer periodista en darle la tapa de una revista a Nirvana, fue para The Rocket, una publicación regional de cultura rock nacida en Seattle en 1979 como suplemento de un diario, cuya redacción es siempre recordada como un puñado de anarquistas y comunistas a los que luego Cross -quien había empezado como redactor- les compró la revista que se convirtió en el nicho del Seattle rock durante los 80 y 90 y que luego de varios cambios de dueños fue cerrada en 2005 por falta de fondos. Por allí pasaron talentos como el dibujante Matt Groening y su fundador fue Bob McChessney, catedrático universitario e histórico defensor de la libertad de medios en Estados Unidos. “Trabajar en The Rocket fue un tiempo asombroso durante un asombroso período en Seattle. Había un montón de gente creativa; sin embargo no todos eran comunistas”, dijo en uno de sus mails. En resumen, Cross fue una de las primeras personas en detectar ese meteorito con nombre de máxima elevación que sacudió al universo rock y parece haberle puesto un tope, además de camisas de franela a cuadros a millones de roperos en el mundo. Sus artículos aparecieron en Q, Rolling Stone y New Musical Express entre otros cientos de revistas sobre rock. Muerto Cobain, fue la primera persona que tuvo acceso a sus diarios íntimos antes de que fueran publicados. Sus últimos dos trabajos le exigieron habilidades forenses: investigó exhaustivamente la vida de los fallecidos Kurt Cobain y Jimi Hendrix. Es importante destacar que investigó sus vidas, no sólo sus muertes. Rastreó los orígenes familiares de ambos, durante cuatro años entrevistó a centenares de personas en cada libro y noqueó varios mitos alrededor de los músicos aceptando y exponiendo la complejidad de dos seres humanos endiosados por el fetichismo y la idolatría. Salió más que airoso de los desafíos, sus libros son considerados las biografías definitivas de ambos íconos y la crítica lo erige como el mejor en esa categoría difícil: rockwriter. Para Heavier than heaven entrevistó a 300 personas y llegó al extremo de juntar a más de media docena de la gente que presenció el primer show de Nirvana en una fiesta, los llevó a la casa donde se realizó y escucharon a todo lo que da el tape de esa noche iniciática mientras recordaban la experiencia. "Para su primera aparición en público”, escribió Cross, “estaba todo ahí, cada pedacito del Nirvana que conquistaría al mundo en los años siguientes: el tono, la actitud, el frenesí, la fragilidad de ritmo escocés, los remarcablemente melódicos acordes de guitarra, la líneas de bajo conductoras que garantizaban que ibas a mover tu cuerpo, y , lo más importante, el hipnotizante foco en Kurt. Él todavía no era un perfomer totalmente realizado- y de hecho quienes estuvieron en la fiesta no recuerdan haberlo visto levantar la cabeza o sacudirse el pelo fuera de su cara- pero toda la crudeza, los esenciales bloques de la estructura, estaban en su lugar. Valía la pena verlo, incluso sólo porque parecía tan intenso.
Lo que era diferente a todos los shows de Nirvana que seguirían fueron los aplausos. No hubo ninguno, ni uno sólo en toda la noche aunque Cobain fue animado por que un par de los parranderos murmuró ‘Ustedes no son ni la mitad de malos’”.Un par de declaraciones hechas a los diarios estadounidenses en el momento de lanzar sus libros pintan la postura de Cross sobre las personas que estudió: "Las circunstancias de la muerte de Kurt estaban puestas en marcha mucho antes de que agarrase por primera vez una guitarra, y años antes de que conociera a Courtney Love. El suicidio era una muy consciente decisión por parte de Kurt y no se puede culpar a nadie más por eso, aunque hubo suicidios en ambos lados de la familia de Kurt...La lección en esto es la dualidad de espíritu. No puedes juzgar a otros por lo que ves afuera. Porque lo que ves desde afuera a menudo no es como se siente adentro”. Y reflexionó sobre Hendrix: “Jimi tuvo una vida digna, su vida permite ver el paso de los 50 a los 60, es una vida que permite entender cómo fue toda una década”. Allí es donde el trabajo de Cross se vuelve más notorio que el de los otros 80 biógrafos de Hendrix, en su amplitud y agudeza para concebir los factores que moldean una personalidad. Y su clara noción de cómo cada vida individual está atravesada por la Historia y además, cómo esas dos vidas cruzaron las de muchas otras personas. No es causal que sus dos últimos trabajos sean sobre personas oriundas de Seattle, Cross es también el más importante historiador sobre Seattle. Fuera de eso es el padre de un nene de cuatro años y se tomó un tiempo en su vacaciones familiares para intercambiar mails con un periodista del Tercer Mundo.
Hay una frase de una carta de Gerald Murphy a F Scott Fitzgerald que quiero compartir con vos:“Sólo la parte inventada de nuestra historia -la parte irreal- ha tenido alguna estructura, alguna belleza”.¿Porqué la historia del rock está llena de mitos?
Todas las formas del arte lo están. Los usamos para descifrarnos y para entendernos mejor a nosotros mismos. Así que podría ser cierto que los mitos son más poderosos que la realidad.
¿Tenías la intención de desmitificar cuando empezaste los libros?Sí. Mi meta con mis biografías es devolverles la humanidad a mis sujetos, poder hacerte sentir que conocés a la persona real, no al mito.Leí que te pasaste seis meses chequeando su Cobain durmió o no bajo un puente. ¿Cómo y cuanto tardaste en comprobar el dato sobre la falsa homosexualidad que le permitió a Hendrix abandonar el Ejército? Chequeo mucho los hechos. Cada libro me tomó cuatro años para terminarlo. El fingimiento de homosexualidad que usó Jimi para salirse del ejército fue confirmado por archivos militares y por amigos. Era muy común en aquel momento. Estoy bastante sorprendido por cuanta atención se le dio a ese pequeño detalle y sólo lo puedo atribuir a la homofobia. No hago demasiado asunto sobre eso en mi libro, y ciertamente no afirmo que Jimi fuese de hecho gay. Hay muchos otros detalles en el libro que yo encuentro mucho más shockeantes; como por ejemplo que Jimi tuvo dos hijos a los que nunca conoció. Otros detalles narrados en su último libro, Un cuarto lleno de espejos, son las largas horas de hambre de Buster, como conocían en el barrio al primer hijo de los Hendrix -un matrimonio con más idas y vueltas que la carrera de Maradona- su primera guitarra que tenía sólo una cuerda a la que le sacó todos los sonidos posibles hasta que le regalaron una guitarra “de verdad” con el encordado completo, que su padre lo forzaba a escribir y a tocar con la mano derecha porque consideraba diabólico a todo lo que fuese zurdo, la primera experiencia con ácidos auspiciada por la novia de Keith Richards que le hizo ver su música a Jimi y tiñó de psicodelia su poesía y su atuendo para siempre. ¿Haber investigado en profundidad la vida de Cobain y Hendrix afectó tu visión de sus obras?Hacer ambos libros únicamente me hizo respetar todavía más el trabajo que estos hombres crearon. Ellos tenían problemas enormes que sobreponían al menos para hacer su música. Tanto el libro sobre Cobain como el de Hendrix insisten en la infancia. ¿Considerás que es una etapa fundamental para el desarrollo de una personalidad?Claro que sí. Por supuesto, es como ese viejo dicho: El niño es el hombre. Cómo la niñez formó a ambos hombres fue muy importante para sus obras. Además los dos murieron tan jóvenes, a los 27, apenas habían salido de la infancia cuando se hicieron famosos. Mientras trabajabas en tu último libro dijiste en una entrevista: “Estoy tratando de escribir para una audiencia más amplia, una que este interesada en una más amplia historia. ¿Cómo es el público que asiste a tus lecturas en vivo? ¿Qué partes leés?Leo diferentes partes, depende de la audiencia. Mis lecturas atraen a todas las edades, aunque ciertamente hay muchos jóvenes fans de Cobain y muchos de cincuenta y pico fans de Hendrix.¿Considerás que hay en este momento un vocero de esta generación en el rock? ¿Una vida que nos permita entender esta década?Pienso que es una de las razones por las que el libro sobre Cobain continúa atrayendo tanta atención; no ha habido otra leyenda del rock que rivalice con Kurt todavía. Él permanece como la figura más importante del rock en las últimas dos décadas. Espero que eso cambie, por la salud del rock, pero no lo ha hecho todavía.¿Revisar las vidas de otras personas te ha hecho replantear la tuya?Tengo muchas otras ideas para escribir. En algunos aspectos escribir estos dos libros te hace sentir como familiar de estos hombres. Es una poderosa responsabilidad.


Extracto del capítulo 5 (Autorizado por Mr. Charles R. Cross)
“Enfrentamiento”
Después de que Jimi se mudó a Nashville asisitió a cada show de The Imperials que pudo, esperando levantar algo de Johnny Jones, el guitarrista de The Imperials. Jimi había elegido una dmirable mentor: Jones había aprendido sus formade tocar de los sucesores de Robert Johnson. “Mi guitarra ya estaba hablando”, dijo Jones. “Y cuando tu guitarra está hablando, es como si estuvieses escribiendo una carta, y todo lo que necesitas es signos de puntuación”. Jones pasó tiempo en Chicago y aprendió bajo Freddie King, Muddy Waters, T-Bone Walker, y Robert Lockwood, Jr. Y quizás más importante. Jones había crecido en la pobreza rural del Delta y cargó esas problemáticas vivencias en su manera de tocar. “Jimi había estado escuchando discos, pero no había rozado sus codos con alguien que tuviera lodo en ellos, como yo”, dijo Jones. “Eso es por lo que él necesitaba ser un artista de blues- tenés que ser low-down y funky. Jimi no podía poner a hablar a las cuerdas grandes lo suficiente como para ser funky”.
A Jones le gustaba Jimi y se volvieron amigos. Muchas noches después de un show, los dos hombres se sentarían en el asiento delantero del auto de Jones mientras Jimi preguntaba sobre cómo tocar la guitarra. “Jimi era muy analítico,” dijo Jones, “pero simplemente necesitaba vivir un poco más si iba a entender el blues”. A través de Jones, Jimi conoció a dos de sus héroes de todos los tiempos ese otoño: B.B. King y Albert King. “Cuando B.B. entró, deberías haber visto como los ojos de Jimi se encendían,” recordó Jones. “Y de verlo alrededor de Albert King, habrías pensado que Jimi estaba en el cielo.” Igual que como había hecho con Jones, Jimi acosaba a Albert King con preguntas sobre su estilo de dedos y como se las arreglaba para doblegar las cuerdas horizontalmente.La mayoría de los guitarristas jóvenes simplemente le dirían a Albert King cuan bueno él era; Jimi era lo suficientemente impertinente como para preguntarle a King cómo se había vuelto tan bueno. Había un fuerte sentido del machismo entre los bluseros y muy pocos estaban dispuestos a hacer tales preguntas o a mostrar su propia inexperiencia. Sorprendentemente, muchos de esos guitarristas establecidos se sintieron tan poco amenazados por Jimi que gustosamente compartían sus formulas secretas, convencidos de que ese flaquito y desprotegido muchacho nunca se desarrollaría lo suficiente como para desafiarlos.
Jimi, sin embargo, tenía una profunda veta de ambición y una creencia interior en su propio destino. Se convirtió en un caníbal musical, rápidamente asimilando diferentes estilos de tocar y dominando técnicas mucho más rápido de lo que sus mentores creían posible. Aquél otoño desafió a Johnny Jones en un concurso que ellos llamaron en broma “ cacería de cabezas”. Ayudado por un amigo, Jimi empujó un pesado amplificador dentro del club donde Jones se presentaba. Mientras entraban, el amigo provocó a Jones: ”Venimos por vos esta noche, viejo. Más vale que seas bueno”. Jimi, el desafiante, fue menos ostentoso, advirtió: “Esta es la noche”. Jones les dijo “que se vengan” y los mandó a la banda de fondo.
A medida que empezó el enfrentamiento, rápidamente quedó en claro que Jimi estaba fuera de su liga. Su amplificador no era tan poderoso como el que Jones usaba- una lección que no olvidaría pronto- y la manera de tocar de Jimi, si bien técnicamente hábil, todavía carecía de el tono profundo que Jones había perfeccionado. La audiencia literalmente se río de algunos de los solos de Jimi porque eran tan obvios intentos de copiar a B.B. King. Jimi dejó el escenario abatido y Jones permaneció como el hombre a la cabeza. Después. El amigo de Jimi se quejó: “Qué diablos estabas haciendo? Ese hombretrapeó”. El patrón de discurso de Jimi fue siempre menos coloquial y su respuesta sonó como la de un científico que falló probando una teoría: ”Simplemente estaba tratando de dominar el tono de B.B. King y mi experimento falló. Jimi tocó con Jones en otras varias ocasiones, pero nunca pudo vencer a su mentor. “Vino buscando un tiroteo,” rió Jones, “pero él fue el que se disparó a sí mismo”.

"Tu diversión es su prisión"

Actividad contra el encierro de animales los 3 domingos de vacaciones de invierno (22, 29 y 5) a las 13hrs (cada domingo) en la puerta del zoo mas cercana al subte "plaza italia" de linea D.

Los animales del zoo permanecen cautivos durante gran parte o incluso el total de su vida. El motivo es que los zoos y aquariums pretenden ser un lugar para el aprendizaje y la investigación. Sin embargo, es ampliamente aceptado por la comunidad científica que lo más efectivo para ayudar a los animales es preservar las zonas en donde viven en libertad, invirtiendo el dinero en programas de conservación de sus hábitats.
La principal intención de los zoos es convertirse en parte de la oferta de entretenimiento de las ciudades, pero, ¿a costa de qué? Mantener encerrados a los animales, forzados a vivir en hábitats extraños para ellos produce consecuencias en su salud. La imposibilidad de seguir el comportamiento normal marcado por su patrón genético frustra sus instintos y no es raro que desarrollen trastornos psicológicos.
La propaganda del zoo da a entender que es un lugar para el aprendizaje y la conservación. Pero su eficacia como herramienta educativa o de conservación está puesta en entredicho por la comunidad científica. En primer lugar, resulta imposible que los animales puedan mostrar su comportamiento habitual en libertad mientras están en cautiverio. En segundo lugar, de las aproximadamente 3000 especies animales que poseen los zoos de todo el mundo sólo 66 pertenecen a especies en peligro de extinción (a pesar de que son más de 6000 las especies catalogadas en peligro de extinción)*. Por otro lado, los zoos no reintroducen a los animales a los lugares en donde viven. Y es muy escasa la información científica que realizan**.

* y ** Fuente: informe realizado por biólogos y técnicos para la revista Consumer en el 2000